En 1977, Jo Ann Callis tomó una fotografía de la cabeza de una mujer echada hacia atrás, con el cuello tenso y atado con un lazo unido a los finos tirantes azul celeste de su vestido de encaje blanco. Es una imagen que invita a una mirada prolongada, mientras la tensión aumenta en su quietud: el cuello expuesto de la mujer se tensa en ángulo, una marca de color rojo claro se asoma cerca del hilo de la gargantilla bien atado. Justo encima de su hombro, dos pájaros empapelados se sumergen juntos, sus picos casi tocándose en una danza amorosa o agresiva.
Aunque creó la imagen hace cuatro décadas y media, “Mujer con lazo azul” parece sorprendentemente contemporánea: un símbolo atemporal de las restricciones de la feminidad. Actualmente se exhibe en la exposición colectiva “Del Cielo” en Rosegallery en Santa Mónica, California, pero ha aparecido en las exposiciones de Callis a lo largo de décadas, así como en su libro de 2009, “Woman Twirling”.
Callis es una pionera tanto de la fotografía escénica como de las películas en color en las bellas artes, y sus primeros trabajos representan retratos sombríos e intensamente psicológicos de mujeres. Sus sujetos a menudo se mantienen anónimos a través de cabezas vueltas y marcos recortados. Son imágenes con un trasfondo de deseo e inquietud: en una, las manos de un hombre agarran los tobillos de una mujer con tacones parada en una silla; en otro, se ve a una mujer rubia desde atrás y desde arriba en la cama, con su cuerpo dividido por una sola línea negra que comienza con la raya de su cabello y continúa bajando por su columna.
“Todas esas imágenes parecen tener una sensación de placer”, explicó Callis en una entrevista telefónica. “Pero va y viene entre la incomodidad y la comodidad”.
En “Blue Bow”, la modelo posa con el rostro alejado de la cámara: “una mujer que representa a todas las mujeres”, dijo Callis. Recientemente divorciada en el momento en que tomó la foto, Callis estaba pensando en las limitaciones que había experimentado en su vida y las expectativas restrictivas de su género. Había regresado a la escuela de posgrado para estudiar fotografía mientras criaba a sus dos hijos pequeños.
“El mundo se abrió ante mí”, recuerda, explicando que hasta entonces había pintado y esculpido en casa. “Cuando regresé a la escuela, me sentí tan liberado… Así que, de eso se trataba ese trabajo, simplemente libertad y restricción”.
Hermoso, pero un poco apagado’
Callis realizó sus primeros trabajos en color en la cima del movimiento artístico feminista, cuando artistas como Cindy Sherman, Hannah Wilke y Ana Mendieta exploraban el género, el poder y la política a través de imágenes del cuerpo femenino. Aunque Callis y su trabajo encajan perfectamente dentro de esta cohorte, no es una etiqueta que Callis adoptó, ni entonces ni ahora. “Pero, por supuesto, supongo que sí”, añadió.
Hizo “Blue Bow” pensando en sus propios años de adolescente en la década de 1950, cuando era estándar que las mujeres usaran miriñaques debajo de los vestidos (prendas que eran “terriblemente incómodas”, señaló) y, a veces, cintas alrededor del cuello para ocasiones formales. También me vinieron a la mente otras modas restrictivas, desde la tradición centenaria de vendar los pies en China hasta limitaciones más sutiles de movilidad en prendas como las faldas lápiz, todas ellas manteniendo la moda femenina en línea con las expectativas sociales de género.
La huella roja en el cuello de la modelo, aludiendo a la incomodidad, en realidad no fue causada por el moño, explicó Callis, sino que fue más bien una ilusión gracias al maquillaje. Es sólo uno de los muchos matices de su trabajo en color que no habría podido lograr en blanco y negro. En ese momento, sin embargo, la fotografía en color todavía se consideraba torpe en los círculos de bellas artes, y la histórica exposición de William Eggleston en el Museo de Arte Moderno, “Fotografías”, generó controversia por sus escenas en color que parecían instantáneas el año anterior.
Al igual que Eggleston y, más tarde, el cineasta David Lynch, entre otros, Callis vio el potencial de aprovechar tonos escabrosos que podían transformar el estado de ánimo de una imagen. Se inspiró en gran medida en las imágenes de Paul Outerbridge, quien realizó retratos eróticos a todo color de mujeres desnudas en la década de 1930, décadas por delante de su tiempo.
“Pensé que el color agregaría otro elemento emocional al trabajo”, dijo. “Me gustan los colores ácidos: hermosos, pero un poco apagados. Esa sigue siendo la paleta que me gusta”.